Составил список десяти самых важных, на мой личный взгляд, фильмов 2020 года. Они есть несмотря на тот факт, что насыщенным на громкие кинопремьеры этот год назвать можно, но с большим трудом, поскольку что-то так и не вышло в прокат, что-то не получилось посмотреть даже в рамках фестивалей, а что-то мы все увидим лишь в 2021. Поэтому я отказался от составления ежегодного предварительного ТОП-10 фильмов года – вместо него я составил список фильмов в алфавитном порядке, которыми 2020 год, лично для меня, запомнится.    

ДОВОД / TENET 
реж. Кристофер Нолан 

Самый громкий кинотеатральный релиз года от визионера Кристофера Нолана, которым, по сути, кинотеатры и открылись после полугодового карантина. «Довод» – один из самых спорных фильмов в карьере режиссёра, закономерно разделивший публику на два противоборствующих лагеря. Одни кричат о гениальности автора, вторые – ругают содержательную бедность сценария Нолана. И обе стороны по-своему правы, ведь Нолан снял кино о том, как люди по-разному реагируют и смотрят на одни и те же вещи. 

И сделал Кристофер Нолан это бомбически завораживающе, в духе лучших фильмов про Джеймса Бонда с карикатурным, но внушительным абсолютным злом в центре конфликта. Заигрывая с инверсией, снявший на 65-мм плёнку Нолан сделал главный технологических фильм года, с безупречной музыкой оскароносного Людвига Йоранссона, разрывающей уши в IMAX кинотеатрах. Визуальная сторона «Довода» – его главная сила, которой нужно наслаждаться на огромном экране. Поэтому борьба Нолана за театральный релиз понятна: таким лентам слишком тесно в рамках стриминговых сервисов. 

ЕЩЁ ПО ОДНОЙ / DRUK 
реж. Томас Винтерберг 

Дания – пьющая страна, и пьёт она по страшному. Именно этой проблеме и посвящен один из лучших фильмов в карьере маститого Томаса Винтерберга «Ещё по одной». Винтерберг, как режиссёр, очень силен в социальном кино, что он доказывает и раза в раз, но зачастую не стесняется снимать чисто студийные пустышки, вроде «Курска». Исключительно социальному аспекту жизни в Дании Винтерберг посвящает всё и вся в фильме, в котором балом правит вечно пьющий Мадс Миккельсен, просто блистательно, словно лебедь, выступивший в этом фильме. 

Говорит режиссёр и о кризисе в отношениях, и о любви, и о том, что такое настоящее счастье, и об алкоголе, не являющимся абсолютным злом, а лишь катализатором, запускающим падение человека на самое дно. Однако, как и говорят герои, а затем следуют этому, лишь осознавший собственное падение способен подняться на самый верх. И главные персонажи ленты падают на самое-самое алкогольное дно, осознают себя, принимают окружающий мир, становятся ближе к своим любимым и пускаются в пляс, отдавая всю свою энергию, несмотря на боли в спине, танцу, способному стать для многих одним из любимейших в истории кино. 

МОСКИТ / MOSQUITO 
реж. Жоау Нуну Пинту 

Фильм португальца Жоау Нуну Пинту, родившегося в Мозамбике (Восточная Африка), рассказывает историю молодого солдата по имени Закариаш, отправившегося во времена Первой мировой воевать в родной для режиссёра Мозамбик. Однако ни о каких великих приключениях и никакой пальбе по немцам речи не идёт – в первый же день молодого парня кусает москит, из-за чего главный герой заболевает малярией, в следствии чего отстаёт от своего отряда. Весь остальной фильм Закариаш пытается нагнать своих сослуживцев, отправившихся вглубь Африки убивать немцев. 

«Москита» можно коротко охарактеризовать следующим тезисом: «Война никогда не меняется, однако именно она способна изменить человека раз и навсегда». Закариаш путешествует вместе со зрителем через все ужасы войны, которые открывают ему глаза на суровый мир. Жоау Нуну Пинту написал классическую историю о взрослении, но рассказанную через призму антивоенного фильма, снятого на анаморфотную оптику с широким углом и ручным фокусом. И весь фильм – это одно большое путешествие по пучинам человеческого сознания, со всеми его извращенными, садистскими и маниакальными наклонностями. 

Режиссёр весьма поэтично, меланхолично и чётко рисует портрет солдата, который от дурачка с винтовкой в руках из-за пережитых событий превращается в мужчину. В мужчину, пришедшего к понимаю, что вовсе не лев является самым страшным зверем в джунглях, а человек. Ведь именно человек в фильме Убивают ради удовольствия, сжигают поселения и запугивают слабых – этим занимаются люди, а не животные. «Москит» – младший брат литературной повести Джозефа Конрада «В сердце тьмы», умело скрещенный режиссёром с лентой Сэма Мендеса «1917» и «Апокалипсисом сегодня» Френсиса Форда Копполы. 

P.S. Ищите фильм на фестивалях, у вас ещё есть шанс увидеть его на большом экране. 

МАНК / MANK 
реж. Дэвид Финчер 

Фильм, которым Дэвид Финчер напоминает миру о Германе Манкевиче, основном сценаристе «Гражданина Кейна», всё величие которого привыкли приписывать исключительно 26-летнему на момент премьеры Орсону Уэллсу. Многим может показаться, что Финчер выставляет Уэллса в не самом лучшем свете, рисуя из него образ инфантильного молодого режиссёра, который ничего толком весь фильм не делает, сидя где-то в Голливуде на телефоне и доканывая Манкевича своими звонками касательно нового сценария. На деле же «Манк» высмеивает лишь участие Уэллса в сценарии «Американца», в будущем ставшим известным как «Гражданин Кейн», никак не отрицая режиссёрского таланта молодого новатора. 

«Манк» – кино о том, как маленький гений, будучи заносчивым алкоголиком, сумевшем найти себя, как и среди капиталистических снобов, так и среди деятелей искусств, изменил мир кино раз и навсегда. «Гражданин Кейн» не просто повлиял на кинематограф, а сделал его таким, каким зрители по всему свету знают кино сегодня. И революция начиналась с первой строчки в сценарии, написанной прикованным к постели Германом Манкевичем, вложившего на страницы собственные воспоминания, основанные на его дружбе с Уильямом Р. Хёрстом – одним из самых влиятельных американцев своего времени. 

«Пиши о том, о чём знаешь» – самая главная строчка из «Манка» Дэвида Финчера, визуально вдохновлённого кинематографом 30-х годов прошлого века. Это история гениального сценариста, которому невыносимо жить среди людей. Огромный талант Манкевича в фильме давит на него, из-за чего он бросается из одной крайности в другую. То он красноречивый и умнейший человек в комнате, способный утереть нос любому, то, напротив, – превращается в пустоголового, ленивого алкоголика, несущего полную околесицу. Такова она – жизнь гениальных драматургов, видящих людей насквозь. 

НОВЫЙ ПОРЯДОК / NUEVO ORDER 
реж. Мишель Франко 

Зрительскую награду за самый зверский, бескомпромиссный и жестокий фильм года полноправно можно отдать Мишелю Франко и его антиутопической ленте «Новый порядок». Удостоившаяся Особого приза жюри 77-го Венецианского кинофестиваля картина рассказывает о революции в Мексике, ставшей следствием социального разделения в обществе. Пока богатые сливки общества во всю развлекаются на свадьбе, в центре города начинаются забастовки, массовые убийства и грабежи. И если поначалу ницшеанские сверхлюди думают, что ограды их дорогих домов спасут их от гнева класса низшего, то буквально на 15-ой минуте фильма празднику суждено закончится. 

И в принципе на этом сюжет у Мишеля Франко заканчивается. Весь оставшийся хронометраж режиссёр сталкивает между собой людей, обладающих разного рода привилегиями, властью, деньгами или же силой. В «Новом порядке» нет главного героя, есть лишь люди, архетипические герои, которых Франко не щадит: женщин орально насилуют, пойманных в рабство мужчин бьют электрическими дубинами по половым органам, а трусов убивают на месте без сожаления. История совершенно универсальная, способная произойти, где угодно и когда угодно. А самое страшное здесь то, что все ужасы ленты могут случиться с кем угодно. И будет уже неважно, из какой человек семьи, кто за ним стоит и сколько у него денег, когда к его виску (если к нему) будет приставлено дуло пистолета. 

При столь скромной продолжительности в 86 минут лента Франко может дать прикурить даже Кристоферу Нолану по количеству событий в секунду. Пролетает картина за минуту, оставив своего зрителя с пробегающим раз за разом холодком по всему телу от увиденного, из-за чего покинуть кинозал становится не так уж и просто. «Новый порядок» буквально не отпускает даже во время титров, которые заставят особо впечатлительных зрителей заливаться слезами (уж поверьте, я видел это лично на фестивале). Возможно, подобный эффект может появиться у российского зрителя исключительно из-за известных всем событий, произошедших с одним из братских народов – это в очередной раз говорит об универсальности ленты Франко. 

ОТЕЦ / OTAC 
реж. Срджан Голубович 

Фильм-победитель программы «Панорама» 70-го Берлинского кинофестиваля, рассказывает пронзительную историю отцовской любви к своим детям, ради которых можно и горы свернуть, и реки вплавь пересечь, и до Белграда за пять дней пешком дойти. По сюжету, социальные службы забирают детей из бедной семьи, поскольку родители не в состоянии обеспечить их. Никола, так зовут отца семейства, не согласен с этим – он решается вернуть своих детей себе, чего бы это ему не стоило. И, поскольку денег на автобус нет, он решается отправиться пешком в Белград, дабы поговорить о своей проблеме со столичным министром. 

И весь фильм Срджана Голубовича – это олицетворение всего, на что любящий родитель готов пойти ради своего ребёнка. Никола терпит холода, терпит унижения со стороны СМИ и властей, терпит голод, отбивается от диких зверей и бездомных во время своего путешествия. И всё это ради того, чтобы получить хотя бы призрачную надежду на возможность увидеть снова своих детей. Несмотря на физическую боль, душа у персонажа болит намного сильнее и поэтому он продолжает идти, продолжает терпеть. Даже в те минуты, когда буквально все отворачиваются от героя, он не сдаётся. 

«Отец» – очень камерное и приземлённое кино, снятое на 16-мм плёнку, очень красивое и до слёз пробирающее. Никола хоть за весь фильм и говорит очень мало, но исключительно по делу. Всё остальное время персонаж ведёт диалог со зрителем при помощи своих эмоций – за этими усталыми глазами, стёртыми в кровь ногами и мозолями на руках кроется целая буря эмоций, которую ни голод, ни холод, ни волки не способны остановить. Режиссёр чётко даёт понять, что в том положении, в которое попала семья Николы, виноваты вовсе не родители, а власти, которым чужды любовь и искренность. Власть в «Отце» гонится за деньгами и, внезапно, за лайками в социальных сетях, в то время как простые люди просто хотят иметь возможность ужинать за одним столом со своими близкими каждый вечер. 

СУД НА ЧИКАГСКОЙ СЕМЁРКОЙ / THE TRIAL OF THE CHICAGO 7 
реж. Аарон Соркин 

Второй режиссёрский проект Аарона Соркина – лучшего сценариста современного Голливуда, обладателя премии Оскар за Лучший адаптированный сценарий к фильму «Социальная сеть». В этот раз Соркин отошёл от своей классической формулы – он рассказывает историю противостояния хороших парней с плохой системой, беря за основу самый позорный судебный процесс в истории Америки. Соркин не наделяет своих героев серыми характерами, как он обычно это любит, напротив – все герои в сюжете имеют чёткую линию поведения. Можно сказать, что «Суд над чикагской семёркой» – это пьеса в духе Билли Уайлдера, в которой зрителю с первых же минут показывают, где добро, а где зло, с которым центральным персонажам необходимо сразиться в словесном поединке. 

Соркин, как ярый либерал, высмеивает современную Америку через призму её прошлых достижений. Одна из главных проблем, с которой сам Соркин постоянно сталкивается, это понимание того, что современному либералу нечем гордиться, все значимые победы остались далеко в прошлом. И об одной из величайших побед в истории либералов Соркин со всей яростью и рассказывает, демонстрируя один потрясающий диалог за другим, осуждая несправедливое отношение власти к своему народу в 1968 году, когда обстановка в американском общества была накалена до предела из-за войны во Вьетнаме. 

Приписать сюда стоит ещё и совершенно гениальную актёрскую работу Саши Барона Коэна, сыгравшего легенду Эбби Хоффмана, за одно только неправильное представление которого американское общество с лёгкостью могло бы разорвать картину в пух и прах, закидав всех причастных тухлыми помидорами. Но этого не произошло, Барон Коэн играет так, словно в последний раз, потрясающе зачитывая со сцены монологи Хоффмана, который издевался над полицией, властями, выступал против войны во Вьетнаме и неоднократно получал по морде, став тем самым, одним из лидеров движения хиппи своего времени. 

ЧЁРНЫЙ, ЧЁРНЫЙ ЧЕЛОВЕК / A DARK, DARK MAN 
реж. Адильхан Ержанов 

- «Как человеку увидеть свет, если он и есть тьма?» 

«Чёрный, чёрный человек» – это казахские «Воспоминания об убийстве», лихо совмещённые режиссёром Адильханом Ержановым с визуальной эстетикой «Зодиака» Финчера и «Брата» Балабанова. Фильм рассказывает историю молодого следователя по имени Бекзат, который в сеттинге степного нуара расследует дело, связанное с изнасилованием и убийством маленького мальчика. Точнее, он делает вид, что расследует дело, задерживая невиновного дурачка, которого начальство требует повесить или же перерезать вены прямо в камере, чтобы смоделировать самоубийство. Однако Бекзату это не удаётся – из города власти присылают журналиста Ариану, которая начинает ставить палки в колёса всей цепочке коррумпированных стражей порядка. 

Адильхан Ержанов снял очень мрачный, очень брутальный и суровый фильм про человеческую тьму, которая уже и позабыла о том, что такое свет. Весь фильм Ержанова тёмный, выцветший и холодный, отражающий внутренний мир главного героя, в котором может быть и есть что-то хорошее, но оно давным-давно позабыло о себе. А синтвейв на саундтреке и максимально приземлённая операторская работа, охватывающая красоты Казахстана, создают в фильме потрясающую атмосферу чего-то прекрасного. Прекрасного, которое изуродовали люди в погоне за деньгами и властью. 

Фильм Ержанова может отметиться одной из лучших концовок в году. Без преувеличений, последние 20 минут ленты настолько филигранные, насколько бюджет вообще позволял. «Чёрный, чёрный человек» ничего кардинально нового не открывает, однако режиссура и работа с кадром захватывают своей формой и подачей – это настолько же поэтично, насколько и мерзко. Местами ленту портят заигрывания Ержанова с арт-хаусными приёмами, из-за чего реалистичной картины в какой-то момент полностью стирается, уходя от кукурузного поля на тропу метафор и символизма, где белый снег на вершине горы будет отражать чистоту человеческой души, за пределами которой открывается вид на чёрные, чёрные дорогие. 

ЧЕЛОВЕК ИЗ ПОДОЛЬСКА 
реж. Семён Серзин 

Одноимённая экранизация пьесы Дмитрия Данилова от актёра Семёна Серзина, уверенным шагом вошедшим в мир режиссуры. Фильм не старается быть чем-то отстранённым или самостоятельным, у Серзина вышла именно экранизация, перенявшая все диалоги, абсурдистскую, как у Кафки, атмосферу и историю, а также грамотно выверенную драматургию, раскачивающую эмоциональные качели персонажей. «Человек из Подольска» – это от и до разговорное кино, которое, благодаря ритмичному монтажу и диалогам из пьесы Данилова, пролетает на одном дыхании, оставляя своего зрителя после просмотра с ворохом мыслей. 

Серзин снял кино не про то, как в России всё плохо, серо и грустно. Напротив, он снял фильм о маленьком человеке, в чьих глазах застыла ненависть к окружающей действительности из-за того, что ничего вокруг не меняется из раза в раз. И режиссёр показывает, что для того, чтобы что-то изменилось, необходимо начинать с себя. Россия действительно для грустных (привет, РеутовТВ), но никто не говорил, что Россия сама по себе грустная. Во многом лента Серзина – это современное прочтение «Процесса» Кафки, переложенное на Россию сегодняшнюю, на что концовка частично намекает. Но самое главное в фильме то, что он полностью отбитый. 

Это кино, в котором характерные и очень гротескные персонажи сталкиваются друг с другом, с каждой новой сценой наращивая связь и укрепляя конфликт. Да, огромная часть успеха ленты принадлежит Дмитрию Данилову, но без грамотной режиссуры Данилова, без операторского таланта Даниила Фомичева и без великолепных актёрских работ Виктории Исаковой и Владимира Майзингера – кино не получилось бы настолько живым, актуальным и чувственным, насколько получилось в итоге. Любить абсурд мало, важно уметь использовать его к месту. 

ЧЕЛОВЕЧЕСКИЙ ГОЛОС / THE HUMAN VOICE 
реж. Педро Альмодовар 

Внезапно одними из самых выдающихся 30-ти минут в кино за весь 2020 год оказался «Человеческий голос» от Педро Альмодовара, снятый режиссёром по мотивам пьесы Жана Кокто в период карантина. Буквально каждый кадр, каждая реплика брошенной женщины в исполнении потрясающей Тильды Суинтон ощущаются, как громадное признание Альмодовара в любви творчеству писателю Жану Кокто, чей «Голос» режиссёр пытался экранизировать несколько раз. Однако до определённого момента Альмодовар ограничивался лишь отсылками и визуальными цитатами в своих ранних работах. 

Во многом из-за того, что в 2020 году все ощутили себя изолированными в четырёх стенах, к ленте Альмодовара и его героине появляется особое влечение. Жан Кокто не давал своим женщинам никаких шансов на спасения, в то время, как Альмодовар, наоборот, ведёт свою героиню к спасению, вырывая её из заточения, ломая четыре стены во всех смыслах этого слова, помещая персонажа в огромный павильон, в центре которого стоит реалистичная декорация квартиры. Потрясающий эксперимент Педро Альмодовара, стирающий грань между кино и театром, по итогу обретающий искусную форму особенного. И лучше сказать нельзя: «Человеческий голос» – самые особенные 30 минут года. 

Желание прикоснуться к человеку на другом конце – знакомо, как никогда раньше. 

Вот такой вот он, 2020 год через призму кино. 
С Новым годом, дорогие товарищи!

Мнение корреспондентов может не совпадать с мнением редакции